Alain Resnais est un réalisateur français, également scénariste et monteur, né le 3 juin 1922 à Vannes (Morbihan) et mort le1er mars 2014 à Paris dans sa 92e année.

Initialement voué à une carrière de comédien, il intègre la première promotion de l'IDHEC en montage et commence, à la fin desannées 1940, à réaliser des courts métrages et moyens métrages documentaires qui marquent le public et la critique : Van Gogh,Guernica et surtout Nuit et brouillard, premier film de référence sur les camps de concentration.

Réalisateur d'Hiroshima mon amour (1959) et de L'Année dernière à Marienbad (1961), deux dates dans l'histoire du cinéma, Alain Resnais est rapidement considéré comme l'un des grands représentants du Nouveau cinéma (équivalent du Nouveau romanen littérature) et comme un des pères de la modernité cinématographique européenne, à l'instar de Roberto Rossellini, Ingmar Bergman et Michelangelo Antonioni dans sa manière de remettre en cause la grammaire du cinéma classique et de déconstruire la narration linéaire.

Cinéaste expérimental, capable de se remettre en question à chaque nouvelle réalisation, Alain Resnais est reconnu pour sa capacité à créer des formes inédites et à enrichir les codes de la représentation cinématographique par son frottement à d'autres arts : littérature, théâtre, musique, peinture ou bande dessinée. Ses réalisations, du côté de l'artifice et de l'imaginaire, peuvent paraître déroutantes pour le grand public même si beaucoup ont rencontré le succè.

On retrouve, le long de son œuvre, un grand nombre de thèmes tels l'histoire, la mémoire, l'engagement politique, l'intimité, la réalité de l'esprit, le rêve, le conditionnement socio-culturel, la mort, la mélancolie et bien sûr l'art.

Pour les dix-huit longs métrages qui portent sa signature, Resnais a fait appel à des auteurs-scénaristes aussi renommés et différents que Marguerite Duras, Alain Robbe-Grillet, Jean Cayrol, Jorge Semprún, Jacques Sternberg, David Mercer (en), Jean Gruault, Jules Feiffer, Jean-Pierre Bacri et Agnès Jaoui ou encore Jean-Michel Ribes.

Fidèle dans le travail et amateur de l'esprit de troupe, Resnais a notamment sollicité à plusieurs reprises les comédiens Sabine Azéma, Pierre Arditi, André Dussollier et Lambert Wilson, les techniciens Jacques Saulnier, Éric Gautier et Hervé de Luze ainsi que le compositeur Mark Snow.

Réalisateur célébré par la profession, il a été plusieurs fois récompensé aux Césars et dans les festivals internationaux.

Apprentissage

Alain Resnais naît en 1922 à Vannes. Issu d'une famille cultivée (son père, Pierre, pharmacien de profession, fut également maire de Treffléan de 1934 à 1962), il est sensibilisé très tôt à toutes les formes d'art. À l'âge de douze ans, il se voit offrir une caméra Kodak 8 mm avec laquelle il tourne ses premiers courts métrages, dont une adaptation de Fantômas. Outre le cinéma, il se passionne pour la photographie, la peinture, la bande dessinée et la littérature, affectionnant particulièrement les œuvres de Jean Ray, Marcel Proust ou encore André Breton.

Il désire d'abord être acteur et déménage à Paris en 1939. Il devient l'assistant de Georges Pitoëff au théâtre des Mathurins, fréquente le Cours Simon et obtient un petit rôle dans Les Visiteurs du soir. Puis il passe le concours de l'IDHEC où il est admis en 1943 dans la section montage. En 1946, en Allemagne, il participe au Théâtre aux Armées sous la direction d'André Voisin. La même année, il est assistant-réalisateur et monteur sur le long métrage documentaire Paris 1900.

Sa carrière de réalisateur commence avec Van Gogh, en 1948, un court métrage documentaire produit par Pierre Braunberger, récompensé à la Biennale de Venise et aux Oscars, puis il tourne des documentaires pendant une dizaine d'années. Les thèmes abordés sont très variés : la guerre d'Espagne vue par Picasso dans le court métrage Guernica en 1950, ou l'usinePechiney.

Les courts métrages de Resnais impressionnent la critique. Par exemple, après la projection du Chant du styrène au Festival de Tours 1958, Jean-Luc Godard, alors critique de cinéma dans l'hebdomadaire Arts, est enthousiaste. Il y voit un film « olympien, d'une gravité sans égale. ».

Contemporain de la Nouvelle Vague, Alain Resnais est rapidement apparenté au groupe de la « Rive gauche », très engagé, dont font partie Chris Marker avec lequel il coréalise le film anticolonialiste Les Statues meurent aussi, Prix Jean-Vigo 1954, et Agnès Varda dont il monte La Pointe courte, son premier long métrage.

En 1956, il obtient à nouveau le Prix Jean-Vigo pour Nuit et brouillard, produit par Anatole Dauman et devenu depuis, grâce à Henri Michel, qui en avait pris l'initiative et en était le conseiller historique, un film de référence sur les camps de déportation.

Longs métrages

En 1959, Alain Resnais réalise son premier long métrage de fiction, financé par Dauman et écrit par Marguerite Duras : Hiroshima mon amour. Le film est présenté hors compétition auFestival de Cannes 1959 et divise d'emblée les spectateurs. Dès la fin de la projection, le président du jury, Marcel Achard, s'exclame tout haut : « C'est de la merde » tandis qu'un autre juré, Max Favalelli, lui rétorque : « Non, c'est l'œuvre d'un authentique génie. ». Le film a un retentissement mondial : il est apprécié à la fois par la critique et le public. Selon Louis Malle, « ce film fait faire un bond dans l'histoire du cinéma ». Godard déclarera, plus tard, être jaloux du film : « Je me souviens avoir été très jaloux de Hiroshima mon amour. Je me disais : "ça c'est bien et ça nous a échappé, on n'a pas de contrôle là dessus." ».

Pierre Arditi a tourné neuf films avec Alain Resnais depuis Mon oncle d'Amérique(1979) jusqu'à Vous n'avez encore rien vu(2012). Lambert Wilson est devenu un acteur régulier d'Alain Resnais (quatre films) depuis son rôle dans On connaît la chanson(1997).

L'œuvre déconstruit les concepts du récit cinématographique classique. Puis elle expose, de manière novatrice, la problématique de la mémoire et du temps perdu par l'évocation des traumatismes de la Seconde Guerre mondiale. Avec 2,2 millions d'entrées en France, elle est un immense succès. Hiroshima obtient d'ailleurs, en 1959, le Prix Méliès ex æquo avec un autre film qui, comme lui, connaît un succès fulgurant et devient immédiatement un classique du cinéma : Les Quatre Cents Coups de François Truffaut.

Deux ans plus tard, Alain Resnais fait de nouveau sensation grâce à L'Année dernière à Marienbad, cinéroman créé en compagnie d'Alain Robbe-Grillet. Par le choix du noir et blanc et du décor intérieur d'un château hors du temps où déambulent des personnages fantomatiques, il commence à définir son style, teinté de surréalisme, d'onirisme et de distanciation brechtienne. Son désir d'élaborer une forme expérimentale y est aussi réaffirmé. Si une partie de la critique vante sa puissance créatrice, une autre lui reproche son abstraction, son hermétisme et son manque de profondeur politique dans une période qui ne l'est pas (les années 1960). Néanmoins, on retrouve souvent, dans les films de Resnais, un engagement social et politique et un goût de l'histoire récente (le colonialisme, la guerre d'Algérie etc.). En 1960, il est par ailleurs l'un des signataires du Manifeste des 121 et Hiroshima prenait de plus la bombe atomique et la collaboration en toile de fond. L'Année dernière à Marienbad, qui révèle l'actrice Delphine Seyrig, est un grand succès : le public est encore au rendez-vous et le film réalise 880 000 entrées en France.

Le schéma de réception critique reste, à quelques exceptions près, le même pour chaque film : si l'œuvre du cinéaste fascine, elle en irrite certains. Michel Mourlet, par exemple, dénonce le fait que, « l'objet le plus anecdotique se trouve sur le même plan que le plus important ». Il y voit un « esthétisme académique et vide20 ». À propos de L'Année dernière à Marienbad et d'Hiroshima mon amour, il écrit : « Aucune connaissance de l'acteur, aucun empire sur le décor, les éléments, aucun sens du récit, rien que de pauvres petits essais d'intellectuels qui jouent gravement à faire du cinéma. »

Muriel, ou le Temps d'un retour (1963), scénarisé par Jean Cayrol, traite de la torture pendant la guerre d'Algérie. Le film rassemble moins de spectateurs que les précédents (430 000 entrées).

La Guerre est finie (1966), écrit par Jorge Semprún, raconte l'histoire d'un militant communiste interprété par Yves Montand, évoluant dans un réseau républicain, sur fond de Guerre d'Espagne et d'anti-franquisme.

En 1967, il participe au film collectif Loin du Vietnam coordonné par son ami Chris Marker en solidarité avec le peuple vietnamien. Plutôt que de filmer des images documentaires réalisées sur les lieux du conflit ou aux États-Unis, Alain Resnais préfère capter les réflexions d'un intellectuel parisien, interprété par Bernard Fresson, sur cette guerre et son caractère éminemment médiatique. Ce projet, profondément politique, n'attire pas un public nombreux (60 000 entrées en France).

En 1968 avec Je t'aime, je t'aime, écrit par Jacques Sternberg, Alain Resnais réalise un film d'une grande modernité du point de vue de la construction d'une temporalité éclatée.

Stavisky, en 1974, revient sur l'un des plus gros scandales financiers de la Troisième République. Optant pour un cinéma plus commercial et choisissant une vedette populaire (Jean-Paul Belmondo), le réalisateur prolonge néanmoins ses réflexions plastiques sur l’histoire et la psyché. Le film rassemble un million de spectateurs en salles.

Mêlant délire, fantasme et réalité prosaïque, Providence, film hommage à H.P. Lovecraft est interprété, en anglais, par des comédiens anglosaxons (Dirk Bogarde, Ellen Burstyn et David Warner) et dresse le portrait d'un écrivain vieillissant tirant le fil de sa vie et de ses personnages comme des marionnettes. Il se conçoit comme une mise en abyme du récit et un questionnement dense sur la création artistique. Le film réalise 650 000 entrées en France.

Avec Mon oncle d'Amérique, écrit par Jean Gruault, Resnais met de manière didactique en application, à travers le parcours de trois personnages issus de milieux sociaux différents, les thèses anthropologiques du scientifique Henri Laborit. Celles-ci sont exposées, de manière ponctuelle, face caméra. Le film remporte un grand succès public avec 1,3 millions d'entrées en France.

À partir des années 1980, le cinéaste s'entoure pour La Vie est un roman, L'Amour à mort et Mélo, d'un nouveau trio d'acteurs qui ne le quittera plus : Sabine Azéma, Pierre Arditi et André Dussollier. Si la première de ces trois réalisations explore différentes temporalités par le prisme d'un lieu unique (un château devenu école), les deux autres marquent une rupture par le choix d'une structure linéaire, mais aussi par leur tonalité intimiste et leur atmosphère sépulcrale. Elles rencontrent un succès mitigé : La Vie est un roman attire 300 000 spectateurs en France, L'Amour à mort 350 000 et Mélo 550 000.

Produit par Marin Karmitz, I Want to Go Home, qui rend hommage à l'univers de la bande dessinée et dont le scénario est signé de l'auteur américain Jules Feiffer, reste le plus gros échec commercial du réalisateur : le film totalise, en 1989, 40 878 entrées.

Sabine Azéma est à la fois la compagne et l'actrice d'Alain Resnais depuis La vie est un roman.

Dans les années 1990, Alain Resnais s'ouvre à de nouvelles collaborations, avec le duo de scénaristes-acteurs Jean-Pierre Bacri et Agnès Jaoui puis touche un plus large public, développant l'aspect ludique et fantaisiste de son cinéma.

En 1993, il revisite le théâtre avec une adaptation de huit pièces d'Alan Ayckbourn (Intimate Exchanges) : Smoking / No Smoking, diptyque sur les possibles de l'existence, où Sabine Azéma et Pierre Arditi jouent onze rôles. Les films réalisent respectivement 400 000 et 350 000 entrées en France.

André Dussollier remporte, en 1998, leCésar du meilleur acteur pour son rôle dansOn connaît la chanson. Au total, il a joué dans six films du réalisateur.

Il s'essaie également à la comédie musicale avec On connaît la chanson en 1997, qui fait intervenir, dans des dialogues issus de situations quotidiennes, le répertoire de la chanson populaire. À la différence des comédies musicales classiques, les acteurs ne chantent pas et ce sont les interprétations originales des chansons qui sont synchronisées sur leurs lèvres. Ce principe a déjà été expérimenté à la télévision anglaise par Dennis Potter (en) (1935-1994) auquel Alain Resnais rend hommage dans le générique du film. À la différence de Potter, le cinéaste n'introduit que des extraits de chansons, sans jamais les diffuser dans leur intégralité et ne fait pas danser ses personnages lors des plages musicales. Le scénario du film, écrit par le tandem Jaoui / Bacri, s'apparente au théâtre de boulevard et l'humour repose essentiellement sur une série de quiproquos et de malentendus. Le film est un immense succès public, et encore à ce jour, le plus important de son réalisateur avec 2,6 millions d'entrées en France. Il est également exporté à l'étranger et totalise 3,3 millions d'entrées dans l'ensemble de l'Union européenne. C'est aussi un des plus grand succès critique d'Alain Resnais.

En 2003, Resnais s'attaque à l'opérette avec Pas sur la bouche. Le ton enjoué et grivois s'y veut proche des films burlesques et du vaudeville. Avec 640 000 entrées, le film est un succès public.

En 2006, Cœurs dépeint la solitude d'urbains égarés dans un univers enneigé et tragi-comique. Le film est un succès avec 540 000 entrées enregistrées en France.

Les Herbes folles (2009), tiré d'un roman de Christian Gailly, est une histoire d'amour démentielle qui se situe ouvertement du côté de la fantaisie dramatico-bouffonne, hors de toute vraisemblance. Bien que déroutant et touffu, le film, qui divise la critique, trouve son public et totalise 460 000 entrées.

En 2012, Resnais sort Vous n'avez encore rien vu qui narre la convocation postmortem, par un auteur dramatique, de sa troupe d'acteurs fétiches dans une villégiature du Sud de la France où elle sera amenée à juger la nouvelle version de sa pièce de théâtre Euridyce. Le titre du film est un hommage à l'acteur Al Jolson qui avait créé, en 1919, une chanson intitulée « Vous n'avez encore rien entendu », et qui réutilise l'expression You ain't heard nothin' yet dans le film Le Chanteur de jazz (1927), premier film parlant de l'histoire du cinéma. L'idée du scénario vient du producteur Jean-Louis Livi qui a suggéré à Resnais de faire un film à partir d'Eurydice. Le film s'inspire également d'une autre pièce de Jean Anouilh intitulée Cher Antoine ou l'Amour raté. À côté des acteurs habituels de Resnais, on trouve aussi les acteurs habitués des films de Bruno Podalydès (Bruno et Denis Podalydès, Jean-Noël Brouté, Michel Vuillermoz) et des acteurs issus de l'univers d'Arnaud Desplechin (Mathieu Amalric, Anne Consigny). Le succès en salles est moins important que pour ses films précédents (155 000 entrées en France). Le film provoque d'ailleurs des réactions contrastées au sein de la critique.

L'équipe du film Vous n'avez encore rien vu au festival de Cannes 2012. Vie privée

Alain Resnais n'accordait pas souvent d'interview aux journaux.

Il épouse en 1969 son assistante de l'époque, Florence Malraux, fille d'André et Clara Malraux, qui travaillait avec lui depuis La Guerre est finie et qui l'accompagne jusqu'à Mélo, en 1986. Depuis la fin des années 1980, il partage la vie de Sabine Azéma, son actrice fétiche, qu'il épouse en 1998.

Un cinéaste célébré

Trois fois lauréat du Prix Louis-Delluc (en 1966 pour La guerre est finie, en 1993 pour Smoking / No Smoking et en 1997 pour On connaît la chanson), Alain Resnais est le metteur en scène le plus souvent nommé au César du meilleur réalisateur : huit fois au total. Il a d'ailleurs obtenu la récompense à deux reprises : en 1978 pour Providence et en 1994 pour Smoking / No Smoking. Il est également l'unique cinéaste à avoir vu trois de ses œuvres couronnées par le César du meilleur film : Providence en 1978, Smoking / No Smoking en 1994 et On connaît la chanson en 1998.

Considéré comme un excellent directeur d'acteurs, il a permis à plusieurs de ses comédiens d'être récompensés aux Césars : Sabine Azéma (Meilleure actrice pour Mélo), Pierre Arditi(Meilleur acteur pour Smoking / No Smoking et Meilleur second rôle pour Mélo), André Dussollier (Meilleur acteur pour On connaît la chanson), Jean-Pierre Bacri et Agnès Jaoui(Meilleurs seconds rôles féminin et masculin pour On connait la chanson puis Meilleur scénario pour Smoking / No Smoking et On connaît la chanson) et Darry Cowl (Meilleur second rôle pour Pas sur la bouche). Grâce à lui, Delphine Seyrig a également gagné la Coupe Volpi de la meilleure interprète à la Mostra de Venise 1963 pour Muriel, ou le Temps d'un retour.

À noter que ses techniciens ont souvent été mis à l'honneur : son chef décorateur fétiche Jacques Saulnier lui doit deux de ses trois Césars (Providence et Smoking / No Smoking), puis ses monteurs Albert Jurgenson et Hervé de Luze leur toute première statuette pour le meilleur montage (Providence pour le premier et On connaît la chanson pour le second).

Resnais est de plus un metteur en scène célébré à l'international, cumulant un Oscar à Hollywood (Van Gogh, Meilleur court métrage en deux bobines en 1950), un BAFTA au Royaume-Uni (Hiroshima mon amour), un Lion d'or et un Lion d'argent à Venise (respectivement pour L'Année dernière à Marienbad et Cœurs), deux Ours d'argent à Berlin (Smoking / No Smoking et On connaît la chanson) puis un Grand Prix du Jury à Cannes (Mon oncle d'Amérique). En 2009, il reçoit des mains d'Isabelle Huppert, présidente du jury, le Prix Exceptionnel du 62e Festival de Cannes pour Les Herbes folles et l'ensemble de son œuvre.

Analyse de l'œuvre

Un cinéaste en perpétuel renouvellement et hanté par la mort

L'œuvre de Resnais dénote une profonde unité car elle reste fidèle à une certaine thématique : celle des possibilités existentielles, des flux de conscience, du libre arbitre, du déterminisme ou du conditionnement socio-culturel. Elle est également traversée par des motifs formels répétés : travellings vertigineux, surimpressions, expérimentations sonores et montage segmentant le temps et la narration. La manière de fixer des lieux, des figures et des objets curieux, le mouvement de la caméra et l'alternance entre ornements décoratifs et observation psychologique accompagnent un goût prononcé de l'exercice de style et une série de jeux sur la forme qui entremêlent allègrement imagination et réalité. À travers une démarche expérimentale, on note une réflexion approfondie sur les méandres de la psyché. Le metteur en scène n'applique toutefois jamais la même recette à deux films ce qui contribue à la grande richesse de son style. Selon Pierre Arditi, « rien ne ressemble moins à un film d'Alain Resnais qu'un autre film d'Alain Resnais. ». On retrouve dans son cinéma une tonalité élégiaque ou profondément mélancolique. Plusieurs de ses films sont marqués par une forte présence de la mort et de fantômes, qu'ils soient personnages (L'Année dernière à Marienbad, Je t'aime, je t'aime) ou prennent origine, de manière allégorique, dans l'Histoire (la bombe lancée sur Hiroshima et Nagasaki et les femmes tondues lors de laLibération dans Hiroshima mon amour), le temps et l'art (Providence) et l'intimité (échecs conjuguaux dans Mélo etc.) . L'Amour à mort va jusqu'à lier la notion d'amour absolu à la disparition de l'être aimé. Resnais explique que, selon lui, « le cinéma est un cimetière vivant. ».

Une œuvre novatrice

Ses réalisations remettent globalement en cause les codes du récit cinématographique traditionnel, « trop soumis aux péripéties », selon le cinéaste André Delvaux. Le metteur en scène plonge le cinéma dans la modernité en abolissant, dans ses premières fictions, le récit à intrigue et en redéfinissant un espace et un temps situés du côté de la conscience intérieure et de l'imaginaire. En compagnie de ses scénaristes dont certains sont issus du Nouveau roman (donc sensibilisés aux courants de consciences) : Marguerite Duras, Alain Robbe-Grillet ou encore Jean Cayrol, Jacques Sternberg, David Mercer (en), Resnais explore toutes les dimensions d'une réalité aléatoire, construite sur des hasards, des obsessions, des moments incompréhensibles et des scènes non linéaires (Hiroshima mon amour, L'Année dernière à Marienbad, Je t'aime, je t'aime, Providence). Il fait aussi s'entrecroiser différents personnages ou différentes époques dans un même lieu (La Vie est un roman) ou dans un univers volontairement artificiel : les éclairages sont stylisés à outrance, les décors se donnent à voir comme tels et le découpage des séquences est très proche de celui d'une pièce. On retrouve d'autres procédés théâtraux comme l'aparté, l'absence de contingences matérielles, l'empilement d'objets hétéroclites et la manière de disloquer personnage et corps de l'acteur : par exemple, un homme peut incarner une femme (Darry Cowl dans Pas sur la bouche) ou un comédien peut interpréter plusieurs rôles (Smoking / No Smoking) et, à l'inverse, un rôle peut être endossé par plusieurs acteurs (Vous n'avez encore rien vu). Dans Providence, Resnais confond, sur un nombre réduit d'interprètes, personnages imaginés par un écrivain, parents de ce dernier et spectres. Soucieux de penser différemment chacune de ses figures dramatiques, le réalisateur franchit une nouvelle étape dans Vous n'avez encore rien vu en demandant à ses comédiens de jouer, à l'exception de Denis Podalydès, leurs propres rôles (Sabine Azéma joue Sabine Azéma, Pierre Arditi joue Pierre Arditi…) et en chacun s'incarnera un personnage de la pièce Eurydice. Ses mises en scène recèlent par ailleurs de nombreux éléments fantasmagoriques comme les disparitions et apparition d'acteurs à l'écran (Pas sur la bouche, Vous n'avez encore rien vu) et une succession de lieux et d'espaces interchangeables. Dans ses derniers films, le réalisateur n'hésite pas à mélanger nouvelles technologies (utilisation de la HD, décors numériques, incrustations…) et procédés plus anciens (cartons de cinéma muet, fermeture d'iris, écran divisé).

Théâtre, musique et cinéma

En retrait de la Nouvelle Vague dont il ne partage pas l'esprit (décors naturels, abolition des contraintes techniques, abandon de textes adaptés du répertoire, vie devant naturellement entrer dans le cadre), Resnais se veut du côté de l'illusion, de la mise en scène conceptuelle et de la théâtralité cinématographique à l'instar de Sacha Guitry qu'il admire. La fusion du théâtre et du cinéma permet de revendiquer l'artificialité du septième art et sa faculté de condensation pour produire des « expériences », au sens scientifique du terme (procédé défini explicitement par le biais du témoignage du professeur Laborit dans le film comportementaliste Mon oncle d'Amérique). Elles révèlent alors une vérité indicible sur les êtres humains, observés comme des animaux en cage : leurs désirs, leurs intérêts et leurs préoccupations sont de vaines tentatives pour échapper à la tristesse et la conscience de leur finitude. Ceux-ci font de leur mieux pour « se débattre dans cette toile d'araignée qu'est l'existence » selon l'expression du comédien André Dussollier. À cette recherche, s'ajoute l'esthétique déstructurante du montage qui sonde les méandres de la mémoire collective et individuelle. Elle permet au réalisateur d'illustrer, dans une mosaïque d'images vertigineuse, le chaos de l'existence et le flot de visions contradictoires, de souvenirs, de scènes imaginaires et de fantasmes, plus proche de la réalité de l'esprit, consciente ou non, que l'ordre et la régularité voulus par la fiction classique. Cette construction explore le temps sensible et s'apparente à une composition musicale, voire symphonique (très évidente dans des films tels qu'Hiroshima mon amour, Je t'aime, je t'aime et Providence). La polyphonie est un ressort essentiel du cinéma de Resnais et prend plusieurs tonalités : grotesque, comique ou dramatique. Le cinéaste reconnaît lui-même l'importance de la musicalité, de l'esprit choral et de l'opéra dans son travail. Il déclare : « Ce que je recherche toujours dans mes films, c'est une langue de théâtre, un dialogue musical qui invite les acteurs à s'éloigner d'un réalisme du quotidien pour se rapprocher d'un jeu décalé. ».

De multiples inspirations

Jugé cérébral et austère, le réalisateur est volontiers reconnu comme un créateur de formes originales et comme l'un des grands noms de la modernité cinématographique, puisant son inspiration autant dans les sciences humaines que dans la musique, le théâtre, la peinture, la littérature (notamment les surréalistes) et la photographie. Mais il n'est pas considéré comme un auteur grand public. Resnais refuse d'ailleurs d'être qualifié d'auteur. Il affirme être un grand amateur d'arts populaires, comme la bande dessinée, les comic books et la série télévisée et n'est pas en marge de l'industrie du cinéma. En 1962, aux côtés de Francis Lacassin, Évelyne Sullerot, Pierre Couperie, Guy Bonnemaison et Jean-Claude Forest, Alain Resnais est membre fondateur du Club des Bandes dessinées, futur Centre d'études des littératures d'expression graphique, qui est la première association française d'étude historique et théorique de la bande dessinée. Le prestige des noms des premiers membres de l'association (auxquels on peut ajouter Chris Marker, Umberto Eco, Federico Fellini, Alain Dorémieux, Jean Adhémar, Edgar Romain, Raymond Quenau, etc.) a beaucoup pesé dans la reconnaissance de la bande dessinée en tant que médium digne d'intérêt. Au fil de sa carrière, Resnais collaborera avec plusieurs auteurs de bande dessinée : Enki Bilal (Ma vie est un roman, Mon oncle d'Amérique), Floc'h (Smoking/No Smoking, Pas sur la bouche) ou encore Blutch (Les herbes folles). Son dernier compositeur attitré Mark Snow vient de la télévision et I Want to Go Home rend justement hommage à la BD : des figures dessinées viennent y interpeller des personnages de chair et d'os. Le scénariste de I Want to go home est d'ailleurs Jules Feiffer, qui est à la fois un important auteur de bande dessinées et l'auteur d'un essai de 1965 intitulé The great comic book heroes, qui prenait la défense du médium. Par ailleurs, Resnais a longtemps envisagé d'adapter les aventures du héros de la littérature populaire Harry Dickson, d'après Jean Ray, mais le projet n'a jamais about. Le scénario a été publié en 2007 dans un ouvrage intitulé Les Aventures de Harry Dickson, scénario pour un film (non-réalisé) par Alain Resnais de Frédéric Towarnicki aux éditions Capricci.

« Quand je suis fatigué, je lis un roman ; quand je suis en pleine forme, je lis une bande dessinée. »

Le metteur en scène prend également plaisir à développer une version iconoclaste, personnelle et ironique de comédie musicale, genre commercial par excellence, dans ses œuvres tardives qui ont connu le succès : On connaît la chanson et Pas sur la bouche.

Son film Cœurs, écrit par l'homme de théâtre Jean-Michel Ribes, se veut une sorte de synthèse de ses préoccupations artistiques. Les Herbes folles souligne son inspiration surréaliste et son goût du décalage absurde, de la légèreté et de la fantaisie débridée. Vous n'avez encore rien vu se conçoit comme une déclaration d'amour funèbre au théâtre et aux comédiens.

« Je souhaite approcher par le film la complexité de la pensée, son mécanisme interne. Dès qu'on descend dans l'inconscient, l'émotion naît. Et le cinéma ne devrait être qu'un montage d'émotions. »

Nouveau cinéma

Dans les années 1960, Alain Resnais appartient avec Agnès Varda, Chris Marker, Georges Franju, Henri Colpi, Armand Gatti et Roger Leenhardt ou encore Pierre Kast au mouvement du Nouveau cinéma, dénommé ainsi par analogie avec le Nouveau roman. Resnais collabore d'ailleurs avec deux représentants importants du nouveau roman, Marguerite Duras pourHiroshima mon amour et surtout Alain Robbe-Grillet pour L'Année dernière à Marienbad16.

Sa particularité réside d'ailleurs dans le fait de les avoir sollicités sur des idées de films qui ne supposaient pas d'adaptater des œuvres préexistantes mais suscitaient un travail de scénariste ambitieux et inédit. Il explique lui-même ce choix initial : « Quand je ne faisais pas encore de films, je me suis promis de ne jamais faire un film écrit par un romancier, ou tiré d'un roman. Les adaptations littéraires, D'Artagnan, Madame Bovary, me décevaient invariablement. J'étais trop rigoriste [...]. Mon rêve, c'était de travailler sur un scénario original écrit pour le cinéma, à la condition que l'auteur ait écrit pour le théâtre avant. J'ai connu Marguerite Duras en voyant Le Square au théâtre. Alain Robbe-Grillet n'avait pas fait de théâtre, mais il allait à toutes les générales, et son style d'écriture était extrêmement musical, extrêmement théâtral. »

François Truffaut situe le cinéma d'Alain Resnais dans la continuité du cinéma de Louis Delluc. En 1961, il explique : « Je crois qu'il y a deux sortes de cinéma, la branche Lumière et labranche Delluc. Lumière a inventé le cinéma pour filmer la nature des actions [...], Delluc, qui était un romancier, a pensé que l'on pouvait utiliser cette invention pour filmer des idées, ou des actions qui ont une signification autre que celle évidente, et puis éventuellement lorgner vers les autres arts [...]. La branche Lumière : Griffith, Chaplin, Stroheim, Flaherty, Gance, Vigo, Renoir, Rossellini, Godard. La branche Delluc : Epstein, L'Herbier, Feyder, Grémillon, Huston, Astruc, Antonioni, Resnais. Pour les premiers, le cinéma est un spectacle, pour les seconds, il est un langage. »

Resnais réfute l'effet de réel et défend une conception « anti-naturaliste » et « artificialiste » du cinéma. Il revendique la nature d'illusion du film en lui-même et affirme dans l'entretien accordé Antoine de Baecque et Claire Vassé (2000) : « J'aime, au cinéma, même dans un documentaire, sentir qu'on est au cinéma, que le jeu et les décors soient visibles, que cela ne ressemble pas à la vie. ». Il renchérit, dans un entretien avec Isabelle Regnier pour Le Monde en 2012 : « Je suis satisfait si les spectateurs comprennent qu'ils ne sont pas devant du cinéma vérité, qu'ils sont bien devant des acteurs, maquillés, qui ont appris leur texte. ».

Le cinéaste se voit comme un « artisan », ou un « expérimentateur » au sens de quelqu'un qui cherche, en curieux, d'autres voies d'expression , affirmant préférer le camp de l'imaginaire à celui du réel : « Je n'essaye pas d'imiter la réalité. Si j'imite quelque chose, c'est l'imaginaire. Je serais content si l'on disait de mes films qu'ils sont des documentaires sur l'imaginaire. ».

Critiques

Certains critiques de cinéma se montrent très critiques à l'égard de l'œuvre de Resnais, notamment Michel Mourlet ou encore Jacques Lourcelles, qui, dans son Dictionnaire des films, estime que « Resnais s'est montré digne en tout point de passer pour l'intellectuel le plus ennuyeux qui ait paru dans son siècle, titre que seul pourrait lui disputer l'Italien Pasolini. »

Méthodes de travail

Juliette Binoche, Alain Resnais et Agnès Jaoui à la cérémonie des César de 1998.

Que ce soit dans ses films documentaires ou de fiction, Alain Resnais est réputé pour son travail de documentation méticuleux. « Je commence en général par repérer tout seul les lieux de tournage. Quand je suis arrivé à Hiroshima pour la première fois, j'ai quitté l'hôtel à trois heures du matin et je suis parti au hasard à travers la ville... Dans ces moments-là, le Leica est bien commode. Je m'en sers comme d'un bloc-notes où j'inscris pêle-mêle les images les plus diverses. Elles me serviront ensuite à matérialiser l'histoire, à fabriquer une autre réalité avec des matériaux pris un peu partout. C'est toujours le problème de l'assemblage... ». Resnais colle ensuite ces photos directement sur le découpage pour que décorateurs et producteurs sachent exactement ce qu'il désire.

Il est également réputé pour sa fidélité dans le travail : outre Sabine Azéma, André Dussollier et Pierre Arditi, on retrouve régulièrement dans ses films les acteurs Lambert Wilson, Delphine Seyrig, Gérard Depardieu, Geraldine Chaplin, Michel Piccoli, Fanny Ardant, Claude Rich, Annie Duperrey, Anne Consigny et Mathieu Amalric. Par ailleurs, il est très lié au chef décorateur Jacques Saulnier, au monteur Hervé de Luze, à la costumière Jackie Budin et à la scripte Sylvette Baudrot. Jacques Saulnier par exemple travaille avec lui depuis L'Année dernière à Marienbadet Sylvette Baudrot depuis Hiroshima mon amour. Depuis quelques années, il s'entoure également, de manière récurrente, du compositeurMark Snow, du directeur de la photographie Éric Gautier et du producteur Jean-Louis Livi. Resnais a également, par le passé, beaucoup collaboré avec le producteur Anatole Dauman.

  Travail avec les acteurs

Il a pour habitude de donner à chaque acteur une biographie de leur personnage pour les aider à préparer leur rôle. Il attend que ses acteurs le surprenne et pour ce faire leur laisse une certaine liberté.

Filmographie

Réalisateur Courts et moyens métrages

• 1936 : L'Aventure de Guy
• 1946 : Schéma d'une identification
• 1946 : Ouvert pour cause d'inventaire
• 1947 : Visite à Oscar Dominguez
• 1947 : Visite à Lucien Coutaud
• 1947 : Visite à Hans Hartung
• 1947 : Visite à Félix Labisse
• 1947 : Visite à César Domela
• 1947 : Van Gogh
• 1947 : Portrait d'Henri Goetz
• 1947 : Le Lait Nestlé
• 1947 : Journée naturelle
• 1948 : Malfray
• 1948 : Les Jardins de Paris
• 1948 : Châteaux de France
• 1950 : Guernica
• 1950 : Gauguin
• 1952 : Pictura
• 1953 : Les statues meurent aussi
• 1956 : Nuit et Brouillard
• 1956 : Toute la mémoire du monde
• 1957 : Le Mystère de l'atelier quinze
• 1958 : Le Chant du styrène, documentaire
• 1967 : Loin du Vietnam
• 1968 : Cinétracts
• 1991 : Contre l'oubli
• 1992 : Gershwin

Longs métrages

• 1959 : Hiroshima mon amour
• 1961 : L'Année dernière à Marienbad
• 1963 : Muriel, ou le Temps d'un retour
• 1966 : La guerre est finie
• 1968 : Je t'aime, je t'aime
• 1973 : L'An 01, de Jacques Doillon (tournage de la séquence américaine)
• 1974 : Stavisky
• 1977 : Providence
• 1980 : Mon oncle d'Amérique
• 1983 : La vie est un roman
• 1984 : L'Amour à mort
• 1986 : Mélo
• 1989 : I Want to Go Home (Je veux rentrer à la maison)
• 1993 : Smoking / No Smoking
• 1997 : On connaît la chanson
• 2003 : Pas sur la bouche
• 2006 : Cœurs
• 2009 : Les Herbes folles
• 2012 : Vous n'avez encore rien vu
• 2014 : Aimer, boire et chanter

Monteur

• 1947 : Van Gogh
• 1947 : Transfo transforme l'énergie du pyrium
• 1947 : L'alcool tue
• 1947 : Paris 1900
• 1948 : Van Gogh
• 1948 : Jean Effel
• 1948 : Châteaux de France
• 1950 : Guernica
• 1950 : Gauguin
• 1952 : Saint-Tropez, devoir de vacances, (Saint-Tropez)
• 1953 : Aux frontières de l'homme
• 1955 : Une visite
• 1955 : Nuit et brouillard
• 1956 : Toute la mémoire du monde
• 1956 : La Pointe courte
• 1957 : L'Œil du maître
• 1958 : Le Chant du styrène
• 1958 : Broadway by light
• 1959 : Novembre à Paris

Scénariste

• 1948 : Châteaux de France
• 1986 : Mélo
• 2014 : Arrivée, départ

Chef-opérateur

• 1947 : Transfo transforme l'énergie du pyrium
• 1947 : L'alcool tue
• 1948 : Jean Effel
• 1948 : Châteaux de France

Acteur

• 1942 : Les Visiteurs du soir
• 1997 : Quand le chat sourit

Producteur

• 1947 : Paris 1900

Assistant réalisateur

• 1947 : Paris 1900

Récompenses et nominations

Oscar

• 1950 : Oscar du meilleur court métrage en deux bobines - Van Gogh

César Film

• 1978 : César du meilleur film - Providence
• 1981 : Nomination au César du meilleur film - Mon oncle d'Amérique
• 1985 : Nomination au César du meilleur film - L'Amour à mort
• 1987 : Nomination au César du meilleur film - Mélo
• 1994 : César du meilleur film - Smoking / No Smoking
• 1998 : César du meilleur film - On connaît la chanson
• 2004 : Nomination au César du meilleur film - Pas sur la bouche
• 2010 : Nomination au César du meilleur film - Les Herbes folles

Réalisateur

• 1978 : César du meilleur réalisateur - Providence
• 1981 : Nomination au César du meilleur réalisateur - Mon oncle d'Amérique
• 1985 : Nomination au César du meilleur réalisateur - L'Amour à mort
• 1987 : Nomination au César du meilleur réalisateur - Mélo
• 1994 : César du meilleur réalisateur - Smoking / No Smoking
• 1998 : Nomination au César du meilleur réalisateur - On connaît la chanson
• 2004 : Nomination au César du meilleur réalisateur - Pas sur la bouche
• 2007 : Nomination au César du meilleur réalisateur - Cœurs

Autres

• Prix Jean-Vigo en 1954 pour Les statues meurent aussi
• Prix Jean-Vigo en 1956 pour Nuit et brouillard
• Prix Georges-Méliès en 1959 pour Hiroshima mon amour, ex æquo avec Les Quatre Cents Coups de François Truffaut
• BAFTA spécial en 1960 pour Hiroshima mon amour
• Mostra de Venise 1961 : Lion d'or pour L'Année dernière à Marienbad
• Mostra de Venise 1963 : Prix de la Critique internationale pour Muriel, ou le Temps d'un retour
• Prix Louis-Delluc 1966 pour La guerre est finie
• Festival de Cannes 1980 : Grand prix du jury et Prix FIPRESCI de la Critique internationale pour Mon oncle d'Amérique
• Prix Louis-Delluc 1993 pour Smoking / No Smoking
• Berlinale 1994 : Ours d'argent (meilleure contribution artistique) pour Smoking / No Smoking
• Prix Louis-Delluc 1997 pour On connaît la chanson
• Berlinale 1998 : Ours d'argent (meilleure contribution artistique) pour On connaît la chanson et l'ensemble de sa carrière
• 63e Mostra de Venise, en 2006 : Lion d'argent (meilleure mise en scène) pour Cœurs
• Étoile d'or du réalisateur 2007, pour Cœurs
• Prix Henri-Langlois d'honneur 2007
• Festival de Cannes 2009 : Prix exceptionnel du Jury pour Les Herbes folles et l'ensemble de son œuvre
• Berlinale 2014 : Prix Alfred Bauer pour Aimer, boire et chanter

Voir aussi

Bibliographie Ouvrages

• (en) Roy Armes, The Cinema of Alain Resnais, London, Zwemmer,‎ 1968
• Gaston Bounoure, Alain Resnais, Paris, Seghers,‎ 1974, 3e éd.
• (en) James Monaco, Alain Resnais: The Role of Imagination, Londres, Oxford University Press,‎ 1978
• Jean-Daniel Roob, Alain Resnais, Lyon, La Manufacture, coll. « Qui êtes-vous ? »,‎ 1986, 177 p.
• Robert Benayoun, Resnais, arpenteur de l'imaginaire, Paris, Ramsay,‎ 1986
• François Thomas, L'atelier d'Alain Resnais, Paris, Flammarion,‎ 1989
• Marguerite Duras, Hiroshima mon amour, Paris, Gallimard,‎ 1994 scénario et dialogue
• Jean-Louis Leutrat, Hiroshima mon amour : étude critique, Paris, Nathan,‎ 1994
• Thierry Jousse, Alain Resnais, compositeur de films, Paris, Mille et une nuits,‎ 1997
• (en) Lynn A. Higgins, New Novel, New Wave, New Politics : Fiction and the Representation of History in Postwar France, Londres, University of Nebraska Press,‎ 1998
• Stéphane Goudet (dir.), Alain Resnais : Positif, revue de cinéma, Paris, Gallimard,‎ 2002, 511 p.
• (en) Emma Wilson, Alain Resnais, Manchester, Manchester University Press,‎ 2006
• Suzanne Liandrat-Guigues et Jean-Louis Leutrat, Alain Resnais Liaisons secrètes, accords vagabonds, Cahiers du cinéma,‎ 2006
• (en) Huner Vaughan, Where Film Meets Philosophy : Godard, Resnais, and Experiments in Cinematic Thinking, Columbia University Press, coll. « Film and Culture Series »,‎ février 2013, 264 p. (ISBN 978-0-231-53082-8, lire en ligne)

Articles

• (en) Noel Burch, « A Conversation with Alain Resnais », Film Quarterly, vol. 13, no 3,‎ printemps 1960, p. 27-29 (DOI 10.2307/1210431)
• (en) Susan Sontag, « Muriel: ou Le Temps d'un Retour by Alain Resnais », Film Quarterly, University of California Press, vol. 17, no 2,‎ hiver 1963, p. 23-27 (DOI 10.2307/1210868, lire en ligne)
• Mireille Latil-Le Dantec, « Alain Resnais, témoin de son temps », Étvdes, no 326,‎ février 1967 (lire en ligne)
• Dork Zabunyan, « Alain Resnais, cinéma et entertainment », Critique, no 725,‎ octobre 2007, p. 721-735 (lire en ligne)
• (en) Gilbert Adair, « Alain Resnais: vive la différence », The Guardian,‎ 22 juin 2010 (lire en ligne)

Films sur Alain Resnais

• L'Atelier d'Alain Resnais : autour d'On connaît la chanson, documentaire de François Thomas, diffusé sur Arte en 1997.
• Sur le tournage d'Alain Resnais, 2011, documentaire d'Axelle Ropert